“The Stain” Making of

A finales de abril de este año me acerqué con mi amiga lightpainter Alexandra Lunar a un parking abandonado de Madrid. No íbamos con ninguna idea en mente, pero sí en busca de inspiración. 

Nuestra sorpresa llegó cuando nos encontramos una gran mancha de aceite en el suelo, que goteaba del techo, y con una forma enormemente atractiva, como si de un nuevo continente se tratase. Definitivamente ese era nuestro spot, y había que experimentar y ver cómo esa mancha respondía a nuestras luces. Si nos daría muchos reflejos, pocos, si rebotaría la luz… era el momento de comenzar con las pruebas. Siluetas, retratos, freehand…. y para nuestro gozo la mancha estaba funcionando muy bien. Las luces se veían reflejadas cuando estás eran potentes, y la mancha no actuaba a penas como espejo, era muy negra y nos ofrecía así un reflejo diferente y de lo más interesante.

Entonces la inspiración que buscábamos llegó y nos pusimos a trabajar en nuestra idea: una falsa doble exposición (en una sola toma), buscando hacer algo así como una foto dentro de la foto, o mejor dicho aún, una foto dentro de la foto de la mancha. Esto suponia realizar durante la exposición, un cambio de encuadre, un cambio de focal y un cambio de enfoque… casi nada. Hicimos unas pruebas de encuadre e iluminación de la mancha, pensamos la coreografía de la foto y nos pusimos manos a la obra. El resultado fue muy decente desde la primera foto, así que después solo era cuestión de afinar… aquí podéis ver alguna de estas pruebas:

Y aquí el resultado final:

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La única herramienta utilizada aquí fue una Led Lenser X21, y el proceso fue el siguiente: comenzamos con el encuadre 1, un punto de vista lo más elevado posible, y picado hacia el suelo. Iluminamos “la costa del nuevo continente” con cuidado de no manchar el interior y conseguir que la mancha se mantenga lo más negra posible. Entonces tapamos nuestro objetivo con la propia tapa (lens cap trick) , cambiamos el encuadre (esto lo hicimos a ojo, no llevábamos segundo trípode), cambiamos la focal, y finalmente el punto de enfoque, estos dos últimos pasos los teníamos previamente calculados. Entonces Xandra, que me hacía aquí de modelo, se colocó en posición. Destapamos el objetivo y le realizo una iluminación en contra, sin exagerarla mucho para no contaminar en exceso alrededor, interesaba pintar sólo en la parte negra de la foto, o sea, la mancha de aceite que habíamos expuesto al principio. Con una buena silueta bien perfilada, con la luz en contra, y con detalle en suelo y techo, nos quedamos muy satisfechos. La iluminación elegida para la mancha fue un acierto a mi forma de ver, ya que hacía funcionar mejor el efecto de foto dentro de foto, disimulando lo que se nos podría haber escapado durante la iluminación en el encuadre 2. Así pues, este fue el proceso de nuestro trabajo, y os invito a practicarlo en un spot que os inspire a ello. La satisfacción es muy grande! 

Aquí un vídeo del making of:

Vídeo realizado con nubia smartphone Z11, fotos realizadas con OLYMPUS OM-D E-M1 y para herramientas HERRAMIENTAS LIGHTPAINTING 

Muchas gracias a Alexandra Lunar por esta salida tan prestosa. Aprovecho para mencionar de paso también al británico Tim Gamble, un experto en este estilo de fotos y ganador del pasado concurso de light painting Oviedo Grand Contest. Por cierto, estad al tanto porque pronto será anunciada la edición de 2017….

La gran serpiente (Olite 2016)

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Olite tenía un año más una cita con el light painting, ILUMINARTE 2016, un congreso de fotografía nocturna y light painting que este año se nos presentaba en su segunda edición. El programa era muy apetecible y además estos encuentros son siempre una buena disculpa para reencontrarte con muchos amigos:

Para el viernes había una gran foto masiva en cartel, pero las gestiones organizativas estaban algo paradas y, dada la presencia de gran parte del equipo de Children of Darklight en el evento, una semana antes se nos pidió ayuda para la idea y coordinar que todo saliera lo mejor posible.

Así fue que nos pusimos manos a la obra sin tiempo que perder. Lo primero que necesitábamos tener claro era la localización para la foto. En un primer lugar se consideró la Plaza Carlos III el noble, pero desde el Ayuntamiento no hubo la colaboración necesaria con nosotros, puesto que no estaban dispuestos a oscurecer el lugar apagando farolas. Así que hubo que cambiar de ubicación, y decidimos hacerlo en una zona de por sí más oscura, detrás del castillo, y oscurecer nosotros mismos el recinto tapando alguna que otra farola si fuera necesario.

Así pues, el jueves conseguimos por fin una imagen aproximada de nuestro encuadre, gracias a DaveAstur, Luis Lafuente Medina, y Omar Huerta (organizador del congreso) que hasta allí se acercaron con un dron.

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Esto era lo único que teníamos a un día del evento. Teníamos que buscar la idea, trabajarla, planificarla, preparar el equipo.. las herramientas.. ¿miedo? ¿quién dijo miedo? Confiamos en nosotros, podemos hacerlo. Sfhir se puso de inmediato con el diseño y yo a ir reuniendo un equipo de confianza, donde habría muchos habituales y grandes lightpainters españoles. No tardamos en tener resultados, inspirados por el nevero que aparece pegado al castillo con forma de cabeza de serpiente y en la leyenda de San Jorge y el dragón. El diseño final elegido, destinado a ser nuestro nuevo y precipitado reto, fue el siguiente:

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Con la idea pudimos comenzar con la planificación y herramientas. Decidimos construir una estructura que nos permitiera generar el cuerpo de la serpiente, una circunferencia o sección de circunferencia que al desplazar nos generara el cuerpo luminoso podría servir. Pero no teníamos constancia de las proporciones y las medidas del parque o la “cabeza de serpiente” así que se podría decir que nos plantamos allí a pelo, a las 21h, con un montón de materiales, varillas, celofanes, luces LED navideñas, extensores… para construir las herramientas. En su sitio teníamos ya el andamio desde el que realizaríamos la foto, y ahí estarían encaramados jugándosela y pasando frío durante unas cuantas horas dos valientes Riders of Light, Iván Lucio y Javier Jiménez… a quienes tenemos mucho que agradecer el que esta foto saliera adelante.

Las labores de creación de la estructura comenzaron, y con ellas el trabajo en equipo. Todos tenían algo en lo que colaborar, y el espíritu lightpainter del compañerismo de nuevo salió a flote. Sabíamos que no sería fácil, pero nuestro empeño haría su trabajo y pronto tuvimos una estructura que nos convenció para el cuerpo de la serpiente. A la estructura le unimos diferentes tiras LED blancas de pilas, diferentes celofanes de color, y alguna otra luz extra. Eso más el movimiento que Medina le proporcionaba le dabaa una textura luminosa muy guapa y que nos convencía como serpiente:

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El resto de elementos lightpainting significativos de la imagen buscada, por sencillos que parezcan no lo eran en absoluto. El guerrero de la imagen está lanzado desde un teléfono móvil colocado frente a la cámara con máxima destreza gracias al equipo de cámara y sus lens-cap-trick (tapados de objetivo). La luna está realizada con una light-stencil, pero ojo, que la cámara estaba a unos 4,5 metros de altura… ¿entonces? hemos tenido que crear un extensor para el porta-stencil y lanzar el flash con un disparador remoto, a gran altura y con mucha precisión. Imaginad todos los esfuerzos necesarios para que todo esté en su sitio.

La cabeza de la serpiente de nuevo requirió de otro extensor para poder hacer el ojo con el pixelstick, y trabajos de iluminación precisa a cargo de Sfhir, con X21 y láser. A esto hubo que añadir más luz al castillo y también luz de contra roja tras la cabeza de la serpiente.

La idea fue evolucionando y optimizándose entre todos y fue una pena que no hubo mucho lugar a la participación de público. Las pruebas de todos los elementos de la imagen nos estaban llevando nuestro tiempo, no era sencillo, estábamos trabajando con triple enfoque en una única exposición!!!! Cuadrar todo perfecto a la vez no era tarea fácil, genial de nuevo el equipo de cámara y el resto de participantes. Habíamos comenzado a trabajar en la foto a las 21h, y acabamos a las 5h. Lo habíamos conseguido, juntos, como un gran equipo. Aquí está nuestra imagen:

Imagen final

Organiza:

Omar Huerta (Congreso Iluminarte 2016)

Dirección:

Frodo Álvarez DKL

Idea:

Sfhir

Participan:

Children of Darklight / Frodo Álvarez DKL, Sfhir, Luis Lafuente Medina, DaveAstur; Riders of Light / Ivan Lucio, Javier Jiménez; Dark Red Team / Toño Míguez, Manu Míguez; Jose Ángel Bellota, Jon Villafranca, Bittor Alonso, Josean Díez, Íñigo Mújica, Mikel Warrior, Diana Ponce, Gabriel González Valverde,Antonio Martínez, Carles Domenech, Santiago Salinas, Iris Cebrián, Rubén Campos, Iván Medina, Omar Huerta, Koldo Gap

Video making of

 

Fotos y vídeos por Frodo DKL, Antonio Martínez, Jose Ángel Bellota, Rubén Campos…

Así se hizo Kaleinude

Esto es un experimento para un concurso pasado en el grupo Light Painting España. Resultó ser una foto de las más complejas de ejecutar que tengo. Habiendo por medio caleidoscopio TCB garantizas que no va a salir a la primera. ‘Lens Cap Trick’ para cambiar el enfoque y el encuadre durante la exposición, y muchas pruebas para conseguir que todo más o menos encajara en su sitio, para hacer una única exposición y no una superposición de imágenes.

 A B C D E F

El primer paso es elegir diseño de la imagen generada por el kaleidoscopio. Como se puede observar en la imagen 1A del collage, el diseño se forma con una placa de circuito verde, un cacho de plástico naranja, un botón, y un gancho transparente de ventosa de pared. Apuntando hacia la luz (imagen 1B) podemos hacernos una idea del diseño. A continuación, colocamos el kaleidoscopio en el trípode mediante un brazo de PVC, y enfocamos el extremo del mismo, donde están los elementos que componen el diseño. Apagamos la luz y comenzamos con las pruebas del diseño. En este caso probé diferentes variaciones del mismo con mi linterna multicolor (imágenes desde 1E hasta 3D). Para generar este diseño hay que iluminar con sumo cuidado dichos elementos. Con el liveview de la cámara se observan los cambios en el diseño a medida que se acerca, aleja, inclina la linterna… yo acabé iluminando desde abajo a arriba, de manera vertical, y en el momento en que ves el diseño que te gusta en el liveview disparas la foto y apagas la linterna, puesto que a esa distancia un mínimo tiempo de exposición es suficiente.

Ya con el diseño elegido hay que ir pensando en la composición. Con la técnica del ‘Lens Cap Trick’ (tapar el objetivo durante la exposición) lo que realizaremos es una falsa doble exposición (en nuestro caso doble enfoque, doble encuadre y doble focal). La primera exposición (en adelante E1) será la del kaleidoscopio, la segunda el resto. Así que lo primero que hago es calcular el encuadre, focal y enfoque de la segunda exposición (en adelante E2), y hacer las correspondientes marcas para configurar la cámara tras E1 en el momento que tapamos con la cámara, y las correspondientes pruebas, hasta que me siento preparado para enlazar ambos ejercicios.

Comenzamos con E1. Como ya sé cómo configurar E2, me centro ahora en configurar para para E1, y disparo. Ilumino los elementos que componen el diseño y y tapo el objetivo con la tapa. A continuación, aparto el brazo del caleidoscopio y, aprovechando las marcas que previamente hice para el enfoque y la focal, y sabiendo la posición del segundo encuadre, me preparo para E2. A oscuras, quito la tapa, reanudo la exposición con E2, y me coloco. Empiezo con el autorretrato, un maquillaje de luz por todo el cuerpo con Led Lenser P2, con trazos rápidos y fluidos, con especial hincapié en la cara (muy inmóvil y con una única pasada para conseguir nitidez) y la mano (cuidando no se escape la fuente de luz incidiendo directamente en la cámara). Después, ajusto la linterna-polla donde corresponde y enciendo y apago rápido. Y para finalizar, enciendo unos segundos el láser caleidoscópico verde para conseguir ese punteado láser.

Coordinar estos pasos es fácil, y lo verdaderamente difícil es conseguir que todo cuadre donde corresponde. En total debí echar unas 3 horas y, no recuerdo exactamente, pero entre 5 y 10 intentos hasta conseguir estas fotos que me parecieron satisfactorias, acordes y válidas con lo que quería conseguir.

Lo más fácil, y a pesar del frío del ambiente y del suelo (estaba desnudo), hubiera sido sin más hacer dos fotos y montarlas con Photoshop o similar, me hubiera ahorrado mucho tiempo, cansar y pasar frío. Quizás algunos se pregunten por qué no lo hice entonces. La respuesta es sencilla y fácil de entender, una obra light painting creo que ha de ser una obra light art, y por tanto única exposición, un único lienzo, y una sola pintura. En caso de montaje de capas, sería lo que en otras artes sería clasificado o denominado como técnica mixta, en este caso una combinación de light painting con arte digital. Considerándome lightpainter es algo que va contra mis principios. Amo esta técnica, la respeto, me apasiona y, por tanto, para mis trabajos personales quiero conseguir light paintings puros. No necesito PS. El light painting es tan agradecido que puedes conseguir todo lo que quieras sin facilitar las cosas en post-producción. Eso es lo verdaderamente guapo de esta técnica, el gran trabajo que hay a veces detrás de cada obra y lo que engancha.

http://www.flickr.com/photos/athalfred/7273048176/lightbox/
Camera Nikon D7000
Exposure 152
Aperture f/13.0
Focal Length 25 mm
ISO Speed 100

http://www.flickr.com/photos/athalfred/7291020174/lightbox/
Camera Nikon D7000
Exposure 164
Aperture f/11.0
Focal Length 30 mm
ISO Speed 100

www.childrenofdarklight.com

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Most interesting:
http://www.flickriver.com/groups/childrenofdarklight/pool/interesting/